miércoles, 20 de mayo de 2020

Museo Thyssen-Bornemisza. Imprescindibles

El Museo Thyssen de Madrid ha publicado unos vídeos con unos excelentes comentarios  que acompañan a algunas de sus más importantes obras. Están divididas en dos partes que detallamos a continuación.


PARTE I
El primer vídeo comienza comentando el Retrato de Giovannna Tornabuoni, de Ghirlandaio. Se trata de una joya de la colección del museo en donde el pintor representa de perfil a su idealizada modelo con un estilo basado en la antigüedad clásica y que reúne el ideal de belleza del Renacimiento: belleza, serenidad, delicadeza, etc.
Después  se  examina el Joven Caballero, de Vittore Carpaccio intentando descubrir quién fue en realidad el joven representado a la vez que analiza la diversa simbología  que el pintor incluyó para definir las virtudes del representado.


Jesús entre los doctores, de Durero es la tercera obra analizada. Durero es el representante del Renacimiento alemán con gran influencia entre los artistas de su tiempo –siglo XVI-  y posteriores. Aquí   funde la perfección, belleza y armonía del Renacimiento italiano con el carácter alemán de la representación de lo visible tal cual es.

La última obra comentada en esta primera parte es Sta. Catalina de Alejandría, de Caravaggio, representante de una de las dos tendencias artísticas tras el Concilio de Trento, la naturalista, iniciada por Caravaggio frente a la clasicista de los hermanos Carracci. Ambas darán lugar al movimiento Barroco, con su teatralidad, claroscuros, etc.
PARTE II
Grupo familiar ante un paisaje, de Frans Halls. Este artista holandés fue famoso por su retratos, modalidad  muy demandada por creciente burguesía de su país. Halls es uno de los que más han destacado en retratos tanto individuales como colectivos  y en sus obras se puede apreciar el distinto tratamiento con que trabaja  los rostros y a los ropajes de sus personajes.
Mañana de Pascua,  de Caspar David Friedrich.  Friedrich  es el mayor representante del romanticismo alemán en pintura. Esta obra está cargada de un fuerte simbolismo que  el comentarista va desvelando para concluir que se trata de un cuadro religioso cuya finalidad es exponer  que la muerte no es el final. Misticismo a través del paisaje.
Les Vessenots en Auvers, de Van Gogh. Pertenece a la última etapa del pintor y en ella refleja su propia inestabilidad emocional –se suicidaría un par de meses después- . Son pinceladas vehementes y repetitivas, cargadas de pintura. Presenta por primera vez una visión emocional del paisaje lo que hace de Van Gogh el primer representante del subjetivismo artístico a través de la técnica, algo que los románticos ya habían hecho pero a través del tema.
Fränzi ante una silla tallada, de Ernst Ludwig Kirchner. Esta pintura es un icono del expresionismo alemán y en ella se puede apreciar la influencia del arte primitivo por las formas arcaicas y el uso de un lenguaje esquemático alejado de la realidad. La cara parece una máscara.
Habitación de hotel, de Edward Hopper. El pintor adopta la visión de otro huésped que pasara delante de una habitación con la puerta abierta en un hotel cualquiera . Presenta a una figura en sombra que evoca la soledad y frialdad de una habitación despersonalizada con contraste de luces y sombras que aumentan el dramatismo de la escena mientras que el equipaje representa una historia que debemos imaginar.  En definitiva el cuadro viene a simbolizar la incomunicación del hombre moderno.

Duración 10 m.
Duración 14 m.

                                                                                                                                        Antonio Guerrero
                                                                                                                                        Visitas a museos




domingo, 10 de mayo de 2020

La Gioconda del Museo del Prado

               
En el vídeo del Museo del Prado que os proponemos en esta ocasión se detalla el estudio técnico y la reparación de la copia de la Gioconda que se encuentra en el Prado.
La grabación está dividida en dos partes, en la primera la investigadora del Gabinete de Documentación Técnica del Museo Ana González,  hace un estudio técnico señalando tanto las coincidencias como las diferencias con el original del Louvre.  Ambas pinturas, nos dice, coinciden en muchos aspectos aunque fue distinto el artista que las hizo.Las  razones para afirmarlo las va detallando durante su exposición y son entre otras, que ambas hechas con los mismos y caros materiales, coinciden en las correcciones y en los dibujos a mano alzada, etc.. Sin embargo la copia evidencia una menor maestría en el uso del sfumato –es un dibujo más lineal- entre otras importantes diferencias
                                                                                           
                                                       Ana González, investigadora

En la segunda mitad, gracias a la exitosa restauración de Almudena Sánchez, restauradora del Prado, ahora se puede contemplar el paisaje de fondo, muy parecido al original y que durante mucho tiempo  -unos doscientos cincuenta años- estuvo oscurecido por razones que se desconocen. Afortunadamente, dice, el cuadro se ha conservado muy bien y ha tenido muy pocas pérdidas gracias entre otras cosas a que los materiales utilizados eran de primera calidad.

Almudena Sánchez, restauradora

                                             Antes restauración             Restaurado                                                         
En el segundo vídeo la obra es comentada por Miguel Falomir, actual director del Prado y en donde viene a insistir en lo ya anotado pero además, señala al alumno de Leonardo,  Francesco Melzi, como su posible autor, concluyendo que aunque la copia del Prado no es una obra maestra sí que es muy importante para conocer las prácticas pictóricas del taller de da Vinci.

                                        Miguel Falomir,director del Prado

                                     Gioconda.  Louvre                        Gioconda. Prado

Podríamos preguntarnos ¿por qué, siendo tan parecidas una es una obra maestra y la otra sólo una buena copia? . Para contestar esta pregunta acudamos al famoso historiador de arte E.H. Gombrich quien en su conocida Historia del Arte señala que lo asombroso de esta obra, que parece vivir, se basa en el famoso invento de Leonardo, el sfumato, que consiste en dejar borrosos los contornos y suavizar los colores de forma que se puedan fundir las sombras y dejar siempre algo a la imaginación del espectador. 
Genialmente Leonardo centró su atención en las partes más importantes del retrato: las comisuras de los labios y las puntas de los ojos, que son precisamente lo que el artista dejó más inciertas. Por eso  el espectador, en el original,  nunca sabe cómo lo mira realmente la Mona Lisa, no sucediendo igual en la copia que, aunque de mucha calidad, su dibujo es más lineal.




                                                                                                                                                                                        Antonio Guerrero
                                                                                                                                                                                        Visitas a museos


viernes, 1 de mayo de 2020

Real Academia de Bellas Artes de S.Fernando.Madrid




Entre los museos que se pueden visitar virtualmente en Madrid se encuentra el de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando cuya colección guarda valiosas obras de artistas españoles y extranjeros  desde el siglo XVI hasta el XX con autores tan importantes como Goya, Rubens, Van Dyck, Ribera, Alonso Cano, etc. así como varias salas de escultura y Vaciados Históricos.


La visita virtual sólo se puede realizar desde un ordenador, no desde una Tablet ni desde un móvil porque como indican en un desplegable, poseen la tecnología de Flash Player, algo anticuada.
Para acceder con el ordenador, si no se tiene instalada la extensión Flash Player  hay que seguir los pasos que señalan en el cartel que aparece al entrar en la página, bien para descargarla  e instalarla o bien desbloquearla si ya la tenemos instalada y bloqueada. Son muy sencillos.

Una vez instalada y desbloqueda  damos a “Comenzar”  y ya podemos entrar virtualmente en el edificio.  En la planta baja  se puede visitar la sala de Calcografía Nacional con importantes obras de Goya  y la de Taller de Vaciados, ambas con explicaciones. Luego se puede continuar por las plantas superiores, finalizando en la tercera con la pintura y escultura española de los siglos XIX  y XX.


Algunas obras, al pincharlas, despliegan la imagen de un guía que las explica personalmente, incluso a veces es el mismo autor, como ocurre en alguna de la planta superior. Otras veces aparece un cartel donde viene escrita la explicación.


                                                                                                                                                                        Antonio Guerrero
                                                          al                                                                                                               Visitas a museos





miércoles, 29 de abril de 2020

Goya. La marquesa de Sta. Cruz y Vuelo de brujas

Goya. La marquesa de Sta. Cruz

Goya. Vuelo de brujas
En esta oportunidad proponemos la magnífica conferencia celebrada en el Museo del Pardo a cargo de quien fue su jefa de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, Manuela Mena. Disertó sobre  dos importantes obras de Goya, El Vuelo de brujas y La Marquesa de Sta. Cruz, revelando las considerables dificultades que entrañó para el museo la adquisición de estas dos pinturas tan fundamentales. Por ejemplo cuenta cómo se le escapó  al Prado la primera en una subasta en 1985 por 275.000 pesetas para tener luego que pagar por su adquisición 75 millones quince años después. También las investigaciones  e intensas y difíciles negociaciones para adquirir  La Marquesa de Sta. Cruz que fue fraudulentamente sacada de España en 1983.
 
Además de manifestar la gran importancia que le otorga a estas dos pinturas, M. Mena  se adentra en explicar el significado y simbología subyacente en la de Vuelo de brujas así como la gran  valoración que le merece  La Marquesa de Sta. Cruz, a pesar de la campaña que hubo en los medios, cuando se adquirió, para desprestigiarla como obra menor. Una conferencia muy instructiva.


Duración:  1h. 5m.

                                                                                                                                                                     Antonio Guerrero
                                                                                                                                                                    Visitas a museos




martes, 28 de abril de 2020

Museo del Prado. Obras Maestras


Afortunadamente gracias a la tecnología en esta época de confinamiento podemos seguir recorriendo, virtualmente, algunos de los grandes museos y exposiciones. En esta ocasión os invitamos a visitar la Colección de Obras Maestras del Museo del Prado. Probablemente muchos ya la conoceréis pero para aquellos que nunca lo hayan hecho, además de facilitar la dirección de la página de internet, vamos a dar algunas indicaciones para poder disfrutarla en todo su contenido.

Para acceder a la página de Obras Maestras pinchar aquí.

Instrucciones:
Una vez en la página principal de Obras Maestras aparece en primer lugar  La Anunciación de Fra Angélico.  A su derecha una flecha nos permite movernos y elegir cualquiera de las otras obras que irán apareciendo.

Elegida una de ellas hay clicar en el interior de la misma con lo cual se agrandará y aparecerá a su derecha el símbolo de unos auriculares. Pinchando en ellos podremos escuchar una descripción de la obra durante unos tres minutos aproximadamente pero también debajo de la obra podemos leer  un comentario sobre la misma, desplegable.

Más abajo se encuentra el apartado de MULTIMEDIA donde nos aparecerán varios vídeos con comentarios o conferencias relacionados con la obra que estamos  contemplando.

Y por último, más abajo aparece la ficha técnica de la obra junto con otros datos como bibliografía, ubicación etc. además de reseñar otras obras del mismo autor que se encuentra en El Prado, a las cuales se puede acceder de la misma forma.

                                              
                                                                                                                                                                                                            Antonio Guerrero
                                                                                                                                                                                                            Visitas a museos








lunes, 27 de abril de 2020

Beruete. Naturaleza y paisaje


En esta conferencia celebrada en el Museo del Prado, Josefina Gómez catedrática emérita de Geografía en la UAM describe la historia de la pintura paisajística española a partir de la figura de Aureliano de Beruete, alumno de Carlos de Haes que fue maestro también de otros pintores paisajistas españoles que vinieron detrás como Agustín Riancho, Jaime Morera, Darío de Regoyos, Sorolla, etc.. Según afirma, prácticamente no hubo pintura paisajística española hasta el siglo XIX, exceptuando algunos paisajes de fondo en cuadros de el Greco, Velázquez o Goya. Incluso ya en ese siglo Federico de Madrazo todavía se refería desdeñosamente a ese género como de segunda categoría.

Comenta que el paisaje empezó a valorarse con Petrarca y S.Agustín en el sentido de percibirlo  como una correspondencia entre el exterior y el interior de quien lo contempla. Luego describe su importancia en el Romanticismo con pintores tan notables como el alemán Caspar D. Friedrich y el geógrafo y naturalista A.von Humboldt  quien lo concebía como un todo unificado a partir de sus elementos inseparables y exigía a los pintores ser especialistas en geología, botánica etc .
                                                                           
La ponente también hace una especial mención a la importancia que el paisaje, como elemento capital de la Naturaleza , tuvo en el krausismo y su influencia en Francisco Giner de los Ríos y en  la Institución Libre de Enseñanza. Ésta era partidaria de un modelo pedagógico  basado en una educación práctica y no dogmática por lo que el contacto con la Naturaleza era un elemento fundamental de ahí que organizaran frecuentes excursiones a la Sierra. Son las mismas convicciones que posteriormente inspiraron la creación de las Universidades Populares  y que como herencia de aquella Institución, forman parte de nuestro ideario como UPCM y así están recogidas en nuestra página de Presentación.

Termina la conferencia relatando los diversos avatares por los que ha pasado la Sierra de Guadarrama hasta que se ha podido conseguir que se establezca en ella un Parque Nacional, aunque con importantes limitaciones.
          



                                     Anton van del Wyngaerde. Vista de Madrid. 1.562



                                 Beruete.Vistas de Madrid desde la pradera de S. Isidro 
                                 
                                                         Beruete. El Guadarrama
                                 
 Velázquez. El príncipe Baltasar Carlos de caza (detalle)

                                                   Goya. La pradera de San Isidro



                                     C.D.Friedrich. El caminante sobre el mar de nubes



                                                            Sorolla.  Giner de los Ríos


Para acceder al vídeo de la conferencia pinche aquí.

Duración: 50 m. 
                                                                                                                                            
                                                                                                                                                                                 Antonio Guerrero 
                                                                                                                                                                                Visitas a museos 
       

viernes, 24 de abril de 2020

El retrato en Rembrandt



Dadas las circunstancias de confinamiento en las que nos encontramos nos es imposible ofrecer visitas a museos o exposiciones de arte pero afortunadamente sí que podemos realizarlas virtualmente. De esa forma os ofrecemos la posibilidad de visitar  la formidable exposición del Museo Thyssen de Madrid que sólo permanecerá, si no la prorrogan,  hasta el 24 de mayo.  Nos referimos a Rembrandt y el retrato en Ámsterdam 1.590 – 1.670.  A continuación os transcribimos algunas líneas del famoso historiador del arte E.H.Gombrich sobre el retrato en Rembrandt así como varios de los muchos y elogiosos comentarios que ha merecido la exposición.

En los retratos de Rembrandt nos sentimos frente a verdaderos seres humanos, con todas sus trágicas flaquezas y todos sus sufrimiento…Como Shakespeare, se diría que fue capaz de introducirse bajo la piel de todos los tipos de hombres, y de saber cómo se habrían conducido en una situación determinada…Los que están acostumbrados a los hermosos personajes del arte italiano se horrorizan cuando ven por vez primera los cuadros de Rembrandt, porque éste no parece haberse preocupado en absoluto de la belleza ni tan sólo haber huido de la fealdad sin ambages. Como Caravaggio, estimó la verdad y la sinceridad por encima de la belleza y la armonía. (Hª del Arte. E.H.Gombrich.)



La genialidad de aquellos que desarrollan el género del retrato reside, ante todo, en su capacidad de dotar de alma a un rostro. Algunos pintores del Siglo de Oro holandés se acercaron a este propósito, pero quien lo logró con creces fue Rembrandt, que brilló por su excelencia en la pintura, el dibujo y el grabado. Al mismo tiempo, se exponen numerosos retratos de artistas contemporáneos a Rembrandt y que también desarrollaron sus obras en la capital holandesa. De esta manera, se pueden establecer paralelismos y divergencias entre sus cuadros y los de pintores como Dirck Santvoort, Govert Flinck, Frans Hals (residía en Haarlem pero tenía clientes en la capital), Bartholomeus van der Helst o Ferdinand Bol, entre otros. (Descubrir el arte.es)

Desde sus inicios en Ámsterdam a principios de la década de 1630, Rembrandt dio a sus modelos una libertad de movimiento poco usual. Como Frans Hals en Haarlem, Rembrandt abrió en Ámsterdam nuevos caminos, inmortalizando a sus clientes en poses dinámicas que sugerían interacción con el espectador e incorporando al género del retrato aspectos que había desarrollado ya en sus escenas mitológicas, religiosas o de historia, como las cualidades narrativas, el uso del claroscuro o la representación de las emociones humanas. A lo largo de los años se fue centrando cada vez más en los rasgos esenciales de sus modelos, en especial en los rostros. Sus pinceladas enérgicas y, especialmente en su última época, cargadas de materia pictórica han llevado a especular sobre los objetivos artísticos del pintor, que parecía estar más interesado en la representación de caracteres que en el parecido físico del retratado. En esta misteriosa cualidad radica el secreto de la atracción que ejercen hoy en día sus retratos, incluso 350 años más tarde, sobre el público que los observa.(Revista de arte.com)





                                                                                                             Antonio Guerrero 
                                                                                                                                                              Visitas a museos